Un aspecto central de este conjunto de trabajos es su condición híbrida. Fotografía, escritura, dibujo y objeto dejan de funcionar como categorías separadas para articular sistemas abiertos de construcción de sentido. Libros de artista, fotografías intervenidas, objetos, manuscritos y estructuras narrativas abiertas configuran un territorio de trabajo donde imagen, texto y materia operan como partes de un mismo lenguaje. En muchas de estas piezas, la escritura pierde su función comunicativa convencional para transformarse en gesto, ritmo y construcción visual. Las caligrafías, anotaciones y signos que recorren la obra no buscan transmitir mensajes descifrables, sino explorar un espacio intermedio donde la escritura funciona como imagen, el dibujo como lenguaje, el objeto como soporte narrativo y las formas fragmentarias de organización visual permanecen abiertas a múltiples interpretaciones.

Manuscritos ilegibles, archivos imaginarios, fotografías intervenidas, objetos encontrados y estructuras narrativas abiertas conforman una investigación sostenida sobre los límites de representación de la experiencia. La memoria aparece aquí no como reconstrucción fiel del pasado, sino como un proceso inestable de selección, pérdida y transformación. Del mismo modo, el lenguaje deja de funcionar como vehículo de certeza para convertirse en materia visual, vestigio y signo.

Series como Libro negro (Crónica de una herencia), Cosas que no se pueden contar, Otras narrativas desde el silencio y Recordatorios constituyen los núcleos principales de esta investigación. En ellas, la artista explora cuestiones vinculadas a la transmisión cultural, los relatos familiares, la construcción de identidad y la fragilidad de toda forma de conocimiento.

Por otra parte, proyectos como Orquídeas, Presencias cotidianas e Intangibles desplazan estas preocupaciones hacia el terreno de la percepción y la experiencia. A través del duelo, la atención a aquello que merece ser recordado o la imposibilidad de fijar aquello que permanece cambiante e inasible, estas series anticipan algunas de las búsquedas centrales de la pintura posterior: la construcción de experiencias perceptivas a partir de elementos mínimos, la inestabilidad de la imagen y la aparición de sentido desde estructuras abiertas.

Vista en perspectiva, esta etapa constituye uno de los antecedentes conceptuales más importantes de la producción posterior de Jardón. Muchas de las preguntas que más tarde aparecerán en sus dibujos y pinturas —la temporalidad, la percepción, la ausencia, la aparición de la imagen y las formas de orientación dentro de espacios inestables— encuentran aquí sus primeras formulaciones. Antes de convertirse en campos espaciales, atmósferas o paisajes perceptivos, estas preocupaciones se manifiestan como objetos, textos, imágenes y fragmentos de memoria que interrogan las posibilidades mismas de narrar, registrar y dar forma a la experiencia.

No son textos para ser leídos, sino formas visuales que hacen visible el acto de escribir. El lenguaje aparece despojado de su función comunicativa para convertirse en materia visual

  Orchid III. Caja de metacrilato, orquídeas cultivadas y secadas, escritura. 17 x 5 x 12cm

El punto de partida de la serie es una experiencia de pérdida atravesada por la distancia:

“Mi madre murió repentinamente. Yo estaba a doce mil kilómetros de distancia…”

Sin embargo, las obras evitan cualquier forma de relato autobiográfico directo. Jardón transforma esa experiencia en una investigación sobre lo no dicho, sobre aquello que permanece suspendido entre lenguaje, memoria y ausencia. Las orquídeas cultivadas y secadas, las cajas transparentes, los papeles delicados y las escrituras fragmentarias construyen dispositivos de preservación precaria donde el tiempo parece detenido sin llegar nunca a fijarse completamente.

Orchids III Papel Canson Edition Etching RAG, 310 g/m. Archival Pigment Print, 297 x 210 mm

En continuidad con proyectos como Otras narrativas desde el silencio, Cosas que no se pueden contar e Intangibles, la escritura pierde aquí su función literal para convertirse en huella visual, ritmo y resonancia y resto emocional. Las palabras ya no organizan un discurso estable; aparecen como restos, como fragmentos de una comunicación interrumpida que sólo puede manifestarse parcialmente a través de la materia.

  Orchids I. Caja de metacrilato, orquídeas cultivadas y secadas, escritura. 20 x 15 x 8cm

Las palabras aparecen incompletas, parcialmente ocultas, desdibujadas o suspendidas, como si el lenguaje ya no pudiera fijar completamente aquello que intenta conservar.

La fragilidad ocupa un lugar central dentro de la serie. Las flores secas conservan simultáneamente belleza y deterioro, presencia y desaparición. Las transparencias del metacrilato y la delicadeza de los soportes generan una tensión constante entre protección y vulnerabilidad, entre permanencia y desaparición, entre archivo y pérdida, convirtiendo cada pieza en una especie de reliquia emocional suspendida.

  Orchids II Caja de metacrilato, orquídeas cultivadas y secadas, escritura. 8 x 8 x 16cm

Más que trabajar la pérdida desde el dramatismo, Orquídeas construye una experiencia de percepción silenciosa donde lo íntimo permanece contenido, nunca completamente revelado. La serie investiga cómo ciertos objetos mínimos pueden condensar memoria, afecto y ausencia sin necesidad de representación narrativa, desplazando el lenguaje hacia un territorio donde materia, tiempo y emoción permanecen en equilibrio frágil.

  Orchids II Papel de Bambú, 105 g/m. Archival Pigment Print, 297 x 210 mm

Más que representar el duelo, la serie construye un espacio de memoria, materia y silencio. Lo no dicho no aparece como vacío narrativo, sino como una forma de presencia latente que continúa actuando en la superficie de las cosas.

  Orchids V Caja de metacrilato, orquídeas cultivadas y secadas, escritura.13 x 13 x 13cm

Orquídeas (las cosas que no te dije)
Caja de metacrilato, orquídeas cultivadas y secadas, escritura. 2015-2016

Orquídeas (las cosas que no te dije) Fotografía 297 x 210 mm  2024-2025

· Han sido expuestas en  «Otras escrituras…» Bulevard dels Antiquaris,  Barcelona 2018
· «Something of the World», Museu de Reus, 2018
· «Librarte. Feria Libro de artista» Burgos 2025.

Caucho y metacrilato. 10.5 x 140cm. Barcelona, 2013-22

Las historias de herencias, son siempre rollos largos, oscuros, incomprensibles, e interminables, porque lo que subyace de lo que se hereda, lo intangible, generalmente no se toma en cuenta, no aparece en los testamentos.

Libro Negro (Crónica de una herencia) articula una investigación sobre memoria, transmisión y poder a través de un objeto que adopta la forma de un antiguo papiro: una extensa tira de caucho negro enrollada sobre sí misma, atravesada por una escritura blanca ilegible y sostenida sobre una peana transparente como si se tratara de un monumento o de un archivo ceremonial.

Tal como sugieren el título y el texto original de la obra, la idea de herencia aparece aquí desplazada desde lo material hacia aquello que se transmite de manera invisible: estructuras morales, mandatos familiares, formas de conducta, silencios, traumas y sistemas de poder que atraviesan generaciones incluso cuando permanecen parcialmente ocultos o incomprensibles.

La escritura ocupa un lugar central dentro de la pieza. Aunque adopta la apariencia de un texto, nunca llega a ofrecer una lectura estable. La caligrafía funciona más bien como huella de lenguaje, como resto de una información inaccesible o cifrada. Esta ilegibilidad transforma el objeto en una especie de archivo opaco donde el conocimiento existe, pero no puede recuperarse completamente. Lo hereditario aparece entonces como algo simultáneamente presente e inasible.

El uso del caucho negro intensifica la dimensión física y simbólica de la obra. La superficie oscura absorbe la luz y refuerza la sensación de densidad, peso y acumulación temporal. A diferencia de los antiguos pergaminos destinados a preservar la memoria colectiva, aquí el “libro” parece contener una narración fragmentada y parcialmente clausurada, atravesada por tensiones entre conservación y ocultamiento.

Dentro de la práctica de Marcela Jardón, esta pieza profundiza investigaciones previas vinculadas a escritura, silencio y estructuras afectivas invisibles. Sin recurrir a relatos autobiográficos explícitos, la obra se aproxima a la experiencia de la herencia como una forma de inscripción profunda sobre el cuerpo y la subjetividad: aquello que se recibe incluso antes de poder comprenderlo plenamente.

La peana de metacrilato introduce además una tensión importante entre monumentalidad y fragilidad. El objeto adquiere presencia escultórica y ceremonial, pero al mismo tiempo permanece suspendido en una condición vulnerable, como si toda estructura heredada pudiera desmoronarse o reescribirse.

Más que narrar una historia familiar específica, Libro Negro (Crónica de una herencia) investiga cómo ciertas formas de poder, memoria y transmisión sobreviven en estado latente dentro del lenguaje, de los cuerpos y de las estructuras simbólicas que organizan la experiencia.

Exhibido en

· Arts Libris FIRA INTERNACIONAL DE LLIBRE D’ART I DISSENY, 2013

· Otras Escrituras.  Bulevard dels Antiquaris, Barcelona. 2017

. Librarte. Feria Libro de artista Burgos 2025.

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«Bienaventurados los que saben que detrás de todos los lenguajes se halla lo inexpresable.» Rainer Maria Rilke 1875-1926

 

Hornacina de cristal, tintas sobre papel de arroz.  14 x 24cm. Barcelona, 2012

 

 

La frase que acompaña esta pieza no funciona como introducción narrativa, sino como límite. Desde ese umbral, Cosas que no se pueden contar desarrolla una investigación sobre aquello que permanece fuera del lenguaje articulado: lo íntimo, lo inconfesable, los secretos familiares y las experiencias que sobreviven únicamente como huella emocional o tensión silenciosa.

La obra adopta la forma de una pequeña hornacina de cristal que contiene un papel de arroz escrito con tinta china, estrujado y encapsulado como si se tratara de un antiguo manuscrito preservado fuera del tiempo. Sin embargo, la escritura resulta ilegible. El texto existe materialmente, pero su contenido permanece inaccesible. Esa imposibilidad de lectura constituye el núcleo conceptual de la pieza.

Dentro de la práctica de Marcela Jardón, la escritura aparece frecuentemente desplazada desde la comunicación hacia la percepción. Aquí, el lenguaje deja de transmitir información para convertirse en resto físico, en condensación de una experiencia que no puede ser dicha completamente. El papel arrugado conserva la violencia del gesto, como si el acto de ocultar y el de preservar ocurrieran simultáneamente.

La estructura de la hornacina introduce además una dimensión cercana al objeto de culto o a la reliquia. El manuscrito queda protegido, aislado y expuesto al mismo tiempo. Esa tensión transforma lo privado en algo casi ceremonial: un secreto convertido en presencia material. No se trata de revelar una confesión, sino de hacer visible la existencia misma de aquello que permanece oculto.

La pieza trabaja también sobre una paradoja fundamental: aquello que más profundamente nos constituye suele resistirse al lenguaje directo. Los traumas, las culpas, los silencios heredados o ciertas memorias afectivas no desaparecen por no ser nombrados; permanecen encapsulados dentro de estructuras invisibles que organizan la experiencia.

 

 

 

Más que construir una narrativa autobiográfica, Cosas que no se pueden contar investiga la relación entre silencio y forma. La obra convierte el lenguaje ilegible en un espacio de proyección donde el espectador no accede a un relato específico, sino a la experiencia universal de aquello que nunca termina de decirse.

 

 

Exhibido en:

· Arts Libris FIRA INTERNACIONAL DE LLLIBRE D’ART I DISSENY, Barcelona 2012

· Otras escrituras… Bulevard dels Antiquaris,  Barcelona 2018

 

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«es de mal pronóstico que llore sin motivo…»
Hipócrates

Conmemoración del instinto II retoma y desplaza una investigación iniciada por Marcela Jardón en la instalación homónima de 1994. Mientras aquella primera versión trabajaba el instinto desde una dimensión espacial y objetual más expandida, esta reformulación en formato de libro de artista concentra la reflexión en una imagen única y extremadamente contenida: una mariposa suspendida en el instante previo a posarse sobre un alambre de púas.

La obra se articula desde una tensión fundamental entre fragilidad y amenaza. La mariposa —asociada a transformación, impulso vital y vulnerabilidad— aparece enfrentada a una estructura de defensa y violencia. Ese instante de suspensión contiene toda la carga conceptual de la pieza: el instinto entendido no como impulso romántico o irracional, sino como mecanismo precario de supervivencia y adaptación.

Dentro de la sección Objeto / Memoria / Lenguaje, la obra profundiza la investigación de Jardón sobre escrituras ilegibles, pensamiento fragmentario y formas silenciosas de experiencia emocional. Las anotaciones blancas sobre blanco no comunican un contenido estable; funcionan como rastros mentales y afectivos próximos a una escritura asémica donde el sentido permanece desplazado y parcialmente inaccesible.

La pieza introduce además una dimensión melancólica vinculada a la persistencia del dolor y a la necesidad humana de elaborar emocionalmente aquello que amenaza con desbordarnos. En este sentido, la obra dialoga indirectamente con la antigua concepción médica atribuida a Hipócrates: el sufrimiento sólo puede transformarse cuando encuentra una forma de manifestación. La contención extrema del libro, sin embargo, sugiere justamente la dificultad de esa descarga. La emoción permanece suspendida, retenida dentro de una estructura frágil y silenciosa.

Impresión digital, tintas pigmentadas, Papel  Hahnemüle 15 x 48cm. Tapas forradas en tela 15 x 10cm.  2013

El formato acordeón intensifica esta percepción temporal. La imagen única, desplegada secuencialmente, deja de funcionar como documento para convertirse en un campo de contemplación lenta donde repetición, memoria y vulnerabilidad se articulan continuamente.

Conmemoración del instinto II investiga la persistencia de ciertas fuerzas elementales —miedo, deseo de supervivencia, fragilidad, resistencia— que continúan actuando incluso bajo condiciones de amenaza. La obra convierte ese estado de tensión en una estructura perceptiva mínima donde belleza y peligro permanecen inseparables.

*Conmemoración del Instinto II reinterpreta la instalación de 1994,  desde la memoria y el lenguaje.

· Arts Libris FIRA INTERNACIONAL DE LLLIBRE D’ART I DISSENY, Barcelona 2013

· Arts Libris FIRA INTERNACIONAL DE LLLIBRE D’ART I DISSENY, Barcelona 2015

· Otras escrituras… Bulevard dels Antiquaris,  Barcelona 2018

. Librarte. Feria Libro de artista Burgos 2025.

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· Museo de la Ciudad de Cuernavaca, México  2026

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31a. Papel Canson Photo Highgloss Premium RC, 315 g/m. 300 x 410mm; Archival Pigment Print.

Intangibles desarrolla una investigación sobre percepción, desaparición e inestabilidad de la imagen a partir de fotografías de nubes intervenidas mediante una operación mínima pero decisiva: la casi totalidad de la imagen es transformada en blanco y negro, mientras una pequeña área cuadrada conserva el color original. Ese desplazamiento altera inmediatamente la relación entre realidad, memoria visual y experiencia perceptiva.

45a. Papel Canson Photo Highgloss Premium RC, 315 g/m. 300 x 410mm; Archival Pigment Print.

Tal como aparece planteado en el texto original de la serie, la obra trabaja sobre aquello que resulta imposible de retener completamente: lo intangible, lo inmaterial y lo apenas perceptible. Las nubes funcionan aquí como formas en permanente transformación, estructuras sin contorno fijo que existen sólo momentáneamente antes de deshacerse. La fotografía no busca fijarlas como documento estable, sino evidenciar justamente la imposibilidad de estabilizar la percepción.

41a. Papel Canson Photo Highgloss Premium RC, 315 g/m. 300 x 410mm; Archival Pigment Print.

La pequeña zona de color introduce una tensión fundamental dentro de cada imagen. Ese fragmento actúa como resto de realidad, como residuo perceptivo que pone en duda la aparente objetividad fotográfica. La obra genera así una experiencia visual ambigua y levemente ilusoria: aquello que parece más real —el color— ocupa el espacio más reducido, mientras la imagen monocroma adquiere una condición suspendida, distante y mental.

31b. Papel Canson Photo Highgloss Premium RC, 315 g/m. 300 x 410mm; Archival Pigment Print.

Dentro de la práctica de Marcela Jardón, Intangibles profundiza una línea de trabajo vinculada a lo efímero, lo silencioso y lo fragmentario. La economía formal de la serie recuerda ciertas estructuras del haiku: imágenes mínimas capaces de condensar tiempo, percepción y vacío en un gesto extremadamente contenido. Sin embargo, la repetición y variación de estas operaciones visuales introduce también una lógica de permutación, donde cada imagen modifica sutilmente la experiencia de la anterior.

  46a. Papel Canson Photo Highgloss Premium RC, 315 g/m. 300 x 410mm; Archival Pigment Print.

La serie no trabaja la nube como símbolo romántico ni como paisaje atmosférico tradicional. Las imágenes funcionan más bien como campos perceptivos inestables donde lo visible parece oscilar continuamente entre aparición y desaparición. Lo ilusorio no se presenta como engaño espectacular, sino como una condición inherente a toda percepción: aquello que creemos captar plenamente se encuentra siempre en proceso de transformación.

Más que representar lo intangible, la obra investiga cómo la imagen puede producir una experiencia concreta de inestabilidad perceptiva. En Intangibles, la fotografía deja de operar como prueba de realidad para convertirse en un espacio frágil donde memoria, tiempo y percepción permanecen suspendidos.

«El arte nace en la visión del artista. Esa visión se filtra a través de los medios que dan forma a lo que se reproduce, a lo que se elimina, reflejando – entre lo que sobra y lo que falta – su condición de firme ausencia, de presencia efímera. Son reflejos de la naturaleza tanto las fotografías como los haiku, y sus formas están acotadas por su mecánica – los colores, los píxeles – o por su esencia – las sílabas, las líneas. La vuelta de tuerca distingue al haiku. Corto y enigmático, rara vez insiste. La fotografía, nítida y franca, no suele sucumbir a la hipérbole. Ambos captan momentos, detienen el tiempo, paralizan un movimiento que en la naturaleza es efímero, mutable, que aparece y desparece sin apologías ni miramientos. El artificio se manifiesta en la confección. El recuadro – como fiel testigo del pixelado que es – permanece como ventana ¿al alma? de la artista, quien despoja el resto de color de la foto. Al igual que el haiku que al componerse es desprovisto del resto del texto que lo compone. “Intangibles” es un libro lleno de cielos, de cielos llenos de nubes, de nubes llenas de formas, de formas llenas de posibilidades.»    Kymm Coveney.

Exhibido en
– Instalación. Galería H2o, 2013, Barcelona.

– Video >>> Reial Cercle Artístic de Barcelona, 2014, Barcelona, auspiciado por la Embajada de Japón

– Intangibles DVD

– Haikus

Ver 
-La medida del cielo
-cielo

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FETICHES
Fotografía. 1999
«Ante al vacío de creencias contundentes, sólidas y colectivas, la caducidad de los grandes credos, y el horror contemporáneo, (algunos) nos creamos nuestros propios símbolos, nuestros fetiches, sucumbiendo ante la fascinación de elementos triviales cargados de valor afectivo, haciendo una elección individual del objeto de fe.

Esta serie pretende crear un simulacro, un juego, una ficción, un artificio de algunas de las cosas en las que creemos en la intimidad de nuestras fantasías (u obsesiones) para dar con ese lugar mágico e ideal en el que nos sentimos protegidos como niños.

Es una reflexión sobre las imágenes objeto de adoración. las imágenes, y las grafías articulan una estructura sígnica que importa relaciones asociativas vinculadas directamente a la estructura del lenguaje de cada observador.»

 

Cementerio. Fotografía intervenida. 30 x 20cm. 1999

 

Fetiches desarrolla una investigación sobre la relación entre objeto, creencia y proyección simbólica a partir de fotografías de pequeños elementos cotidianos transformados mediante intervenciones manuales con caligrafía, tintas y siliconas. Tal como se plantea en el texto original de la serie, las obras funcionan como construcciones intuitivas donde imagen y materia dejan de operar desde la lógica documental para ingresar en un territorio más ambiguo, cercano al ritual y a la acumulación afectiva.

Las fotografías —realizadas con lentes macro y posteriormente alteradas— producen un desplazamiento perceptivo fundamental: los objetos pierden escala y referencia estable, adquiriendo una presencia casi totémica. La impresión en tonalidades sepia intensifica esa sensación de distancia temporal y contribuye a generar una atmósfera suspendida entre archivo íntimo y reliquia imaginaria.

 

Talismán I / II / III. Fotografía intervenida. 20 x 30cm. 1999

 

Dentro de la práctica de Marcela Jardón, la serie ocupa un lugar singular porque introduce de manera más explícita una dimensión vinculada a las místicas personales y a las formas privadas de atribución de sentido. El fetiche aparece aquí no únicamente como objeto de deseo o sustitución simbólica, sino como mecanismo perceptivo: una forma de concentrar memoria, energía emocional y proyección subjetiva sobre elementos mínimos y aparentemente insignificantes.

Las intervenciones caligráficas y matéricas alteran constantemente la estabilidad de la imagen fotográfica. La escritura se aproxima nuevamente a una forma de grafía asémica donde el signo funciona como ritmo, marca y superficie más que como lenguaje legible. Las siliconas y acumulaciones generan además una tensión cercana al horror vacui: una necesidad de ocupar, cubrir o intensificar la superficie hasta convertirla en campo de resonancia simbólica.

 

Templo. Fotografía intervenida. 30 x 20cm. 1999

 

Sin recurrir a referencias religiosas directas, la serie mantiene una relación perceptible con ciertas estructuras ancestrales de ritualización del objeto. Cada pieza parece organizada como un pequeño dispositivo de creencia privada, donde materia, repetición e intervención manual producen una sensación simultánea de protección, obsesión y fragilidad.

Más que representar fetiches, la obra investiga cómo ciertos objetos pueden transformarse en depósitos de proyección emocional y pensamiento simbólico. En Fetiches, la fotografía deja de registrar el mundo visible para convertirse en una superficie de transferencia donde imagen, gesto y creencia permanecen inseparablemente unidos.

 

 

Fotografía analógica, película BN impresa en papel color, con maquinas automáticas, y posteriormente escritas e intervenidas en las copias.

 

 

Exhibición en:
· Bienal de Fotografía Fotonoviembre 2001
· Sala Golfes, Can Basté Barcelona, 2002
· Sala Gestalguinos, Valencia 2002

 

 

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